Goya y el doctor Arrieta
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| Francisco de Goya, Goya atendido por el doctor Arrieta (1820). Detalle |
Fechado
en 1.820, Goya realizó un homenaje al que fuera su Médico de cabecera, el
doctor Eugenio García Arrieta, por medio de un óleo sobre lienzo, de 117 por 79 centímetros , que
se encuentra en el Instituto de Arte de Minneapolis, en Estados Unidos.
Un
año antes de la ejecución de este magnífico y emotivo lienzo, Goya había sufrido otra crisis,
suponemos que en el marco de la enfermedad que ya padecía desde Noviembre de
1.792, si bien algunos autores han puesto de relieve que el artista, en esta
ocasión, enfermó de tifus, siendo curado por este galeno, al que él,
agradecido, le dedicó el cuadro titulado “Goya atendido por el doctor Arrieta”.
En la parte baja del lienzo, en una cartela, se puede leer lo siguiente: “Goya
agradecido, a su amigo Arrieta: por el acierto y esmero con que le salvó la
vida en su aguda y peligrosa enfermedad, padecida a fines del año 1.819, a los setenta y
tres años de su edad. Lo pintó en 1.820.”
En
este lienzo, vemos cómo la patología de nuestro artista influye en su pintura.
Efectivamente, el artista aparece autorretratado muy enfermo, agonizando,
sostenido por detrás por el galeno que le da a beber, de un vaso, alguna
medicina. En un fondo oscuro, espectral, fantasmagórico, aparecen a la izquierda unos rostros femeninos que algún sector
crítico ha identificado como las Parcas. Las Parcas, también llamadas Moiras,
eran tres diosas – o brujas – de avanzada edad, las más viejas del Olimpo.
Aparentemente no tenían tanto poder como Zeus, pero todos los dioses las
respetaban y las temían. Las Parcas conocían el futuro, pero casi nunca lo
revelaban y tenían en sus manos las vidas de todos los mortales. Sus nombres
eran. Cloto, Láquesis y Átropos. Representaban el pasado, el presente y el
futuro. Ellas tejían los hilos de la vida de los mortales, de los seres
humanos. Cloto elegía un hilo, Láquesis lo tejía, y Átropos lo cortaba. Cuando
esto sucedía, la persona a la que pertenecía el hilo moría en el acto.
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| Francisco de Goya, Goya atendido por el doctor Arrieta (1820) |
Otro
sector doctrinal ha pensado que esos rostros femeninos pudieran estar
inspirados en la figura de Leocadia Zorrila, la mujer que convivió con el
artista en sus últimos años de existencia, tras enviudar de la que fue su
esposa, Josefa Bayeu.
Cabe
preguntarse qué significado tiene este lienzo, ya que hay que recordar que la
mayor parte de las pinturas de Goya a partir del padecimiento de su enfermedad,
en 1.792, tienen un simbolismo que
el espectador tiene que descifrar.
Una
parte de la crítica ha interpretado este lienzo como un exvoto a su médico, en
atención al agradecimiento, la gratitud que sintió Goya por la curación de la
terrible y delicada enfermedad que sufrió cuando contaba setenta y tres años de
edad. El artista estimó que el galeno le había salvado de la muerte, de la Parca , y, en un arrebato de
gratitud y reconocimiento, pintó este portentoso lienzo.
El
cuadro pudiera concebirse, en la actualidad, como una Piedad laica; en el lugar de Cristo, se coloca al artista
enfermo, moribundo, y el galeno haría las veces de ángel protector y guardián.
El menaje, a mi juicio, parece evidente: la vida pende de un hilo; la vida de
Goya se va, agoniza inmerso en un mar de sufrimientos, y sólo el médico es
capaz, con sus cuidados solícitos, de salvarle, otra vez, de la muerte que le
llama a su lado, con su terrible incertidumbre, sus fantasmas y sus ecos de
tenebrosidad. El artista siempre había sentido, desde bastante joven, un miedo
cerval a la muerte, entendía ésta como un abismo en el que el ser humano se
precipita y la nada acoge no solo el cuerpo, sino también el alma.
Goya
se autorretrata en este lienzo con la boca ligeramente abierta, la mirada
extraviada – los ojos no tienen un punto de atención fija, es una mirada
perdida en la desolación y el sufrimiento -, con una actitud moribunda, en tensa relajación, falto de fuerzas y de total
consciencia. Hay un elemento importante en el cuadro y son las manos del
artista, que aferran, febrilmente, las ropas que le cubren, como si, con este
detalle, quisiera el artista agarrarse al débil hálito de vida que aún le
quedaba.
Es
interesante destacar, asimismo, el hábil manejo del color y la iluminación, en
cuanto establecen un contraste entre las carnaciones respectivas de Goya u su
médico. Efectivamente; el artista aparece con un aspecto pálido, sepulcral,
debilitado, mientras que el galeno presenta un saludable aspecto. Es el
contraste entre la enfermedad y la salud. Este contraste, así como el juego de
luces producido por la bata del artista, de color blanco brillante, lo mismo
que la sábana a la que intenta aferrarse, subrayan el dramatismo de la escena y
denota, en esa luz blanquecina, reminiscencias de la pintura del holandés Rembrandt, al que Goya admiraba
profundamente y consideraba como su maestro.
La
pincelada es precisa, pero suelta y libre. Las dos figuras aparecen cercanas al
espectador, buscando, de este modo, que éste se sienta inmerso en los
sentimientos que del lienzo afloran.
El
cuadro, si se analiza desde un punto de vista global, refleja una temática, muy
característica del Siglo XIX y de la burguesía de aquella época, cual es la
admiración por la Ciencia
y, en particular, por la
Ciencia Médica.
Con
este lienzo, homenaje, en definitiva, a la Medicina , Goya inaugura la pintura moderna.
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Bibliografía
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Sánchez
Cantón y Xavier de Salas: Goya y sus
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Autora|
Aurelia María
Romero Coloma
Vía|
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Imagen|
Wikipedia
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