Un periplo por el mundo de la escultura en la Historia del Arte
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La
Piedad de Miguel Ángel
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La historia de la
escultura es una parte de la historia del arte que estudia la evolución de la escultura desde sus principios teniendo en
cuenta las diferentes culturas del mundo y los períodos históricos que suelen
coincidir con los de la propia historia del arte.
Los primeros tratados sobre técnicas de
escultura pertenecen a los artistas griegos y datan del siglo V a. C., el
más conocido es el Canon de Policleto, obra en la que el escultor expone las
innovaciones que él mismo llevó a la práctica, como la posición del
contrapposto, pero fue en la prehistoria donde se empezaron a realizar
estatuillas hechas de marfil o piedra blanda, sin embargo,
han sido encontradas figuras de masa con forma humana y animal las primeras
figuras humanas femeninas de piedra, que muestran una gran exuberancia en una
exaltación a la fertilidad; hay ejemplos
de entre 27.000 y 32.000 años de antigüedad,la arcilla también fue un
material utilizado ya en la prehistoria. Se cree que el descubrimiento del
proceso de cocción y endurecimiento del barro fue casual, probablemente durante
el uso de algún utensilio de barro en contacto con el fuego. Las primeras
piezas escultóricas que se conocen proceden de Egipto, China, India y Oriente
Medio, lugares donde hacia el 4000 a. C. ya existían hornos para fabricar
objetos de barro.
La escultura sumeria, pionera de la Edad antigua, evita el desnudo, ya
que se rige por convencionalismo social de no representar los individuos de
manera uniforme, por las vestimentas se podía conocer el rango del personaje
como también la jerarquía a la que pertenecía, en los grandes relieves se
observa el uso del desnudo, pero sólo para representar a los vencidos, la
escultura de Mesopotamia se realizó fundamentalmente con arcilla, tal y como
apuntan las excavaciones de Ur del 4000 a. C., en el Antiguo Egipto se emplearon materiales duraderos como la piedra. A
esta civilización la caracteriza la jerarquía social establecida y una fuerte
creencia religiosa en la otra vida. Como resultado, organizaron de una manera
muy profesional la explotación de canteras y llegaron a realizar unas
esculturas altamente perfeccionadas que permanecieron inalteradas durante
muchos siglos. La escultura tallada dependía mucho del bloque cúbico del que
podían disponer,las estatuas que representaban a los faraones se realizaban
siempre de pie, con los brazos pegados al cuerpo o apoyados en las rodillas si
estaban sentados. Cuando la representación era con la familia, los dos esposos
solían estar cogidos de las manos. Otros
personajes muy representados eran los «escribas» que, en la mayoría de los
casos, aparecían sentados en el suelo con las piernas cruzadas y con los brazos
un poco separados del cuerpo, mostrando en su composición una perfecta simetría.
El estilo arcaico se expandió por todo el mediterráneo e inspiró a la
formación de un estilo natural para la propia cultura etrusca. China, Chipre y algunas regiones de Asia
Menor se adaptaron a las producciones artísticas y escultóricas
pertenecientes a la propia Grecia,la estatuaria arcaica griega fue
principalmente religiosa. Los templos se decoraban con imágenes de los dioses,
de sus hazañas y batallas, y las figuras se alejan del realismo, las korai o kuroi no son retratos de personas concretas; a los rostros se les
añadía una sonrisa.
Entre
el período arcaico y el período helenístico. Se ha dicho que la escultura griega alcanzó un elevado
grado de perfección, calidad que venía impulsada por la búsqueda de una mejor
expresión de la belleza de la figura humana, llegando a establecer un
determinado canon y unas proporciones consideradas perfectas desde el período
Severo los artistas se esforzaron por la obtención de una verosimilitud en las
formas escultóricas con relación al modelo vivo ,procurando esa transición con tal
de mantener y poder expresar las virtudes internas, para los griegos antiguos
la belleza física estaba identificada con la propia perfección.
En el pueblo etrusco, que tuvo su influencia
y esplendor gracias a las aportaciones griegas. Desde el surgimiento o adopción
de este arte en la cultura etrusca, se caracterizó por la expansión y
refinamiento de la metalurgia y por un arte que empleaba a menudo motivos
geométricos simples dispuestos en patrones complejos, manifestándose en la
creación de diminutas figuras de animales en bronce,sin embargo, la escultura
etrusca comenzó a entrar en un periodo de decadencia durante la etapa
helenística.
En origen derivado de
la escultura griega, principalmente a través de la herencia de la escultura etrusca, y luego directamente, por
contacto con las colonias de la Magna Grecia y la propia Grecia, durante el
periodo helenístico, se desarrolló, teniendo como foco central la metrópolis,
entre los siglos VI a. C. y V, el arte
escultórico en Roma; pero contradiciendo una creencia antigua y extendida
de que los romanos eran sólo meros copistas, ahora se reconoce que no sólo
fueron capaces de asimilar y desarrollar sus fuentes con maestría, sino también
aportar una contribución original e importante a esta tradición, visible especialmente
en el retrato, género en el que consiguió un gran prestigio y que dejó ejemplos
singulares de gran técnica y de alta expresividad, y en la escultura decorativa
de los grandes monumentos públicos, donde desarrolló un estilo narrativo de
gran fuerza y carácter típicamente romano, la escultura romana fueron los
retratos.
En la Edad
Media las obras escultóricas más destacadas del Imperio Bizantino son los
trabajos ornamentales de los capiteles, con motivos vegetales y animales
enfrentados, hay buenos ejemplos en San Vidal de Rávena o los sarcófagos de la
misma ciudad donde están representados temas del Buen Pastor, El arte románico
se expandió por toda Europa entre los siglos XI y XIII, la escultura aplicada a
la arquitectura fue tomando una forma más monumental bajo el impulso de una
iglesia que en esa época estaba orientada, por un lado, por las directrices de
la Orden de Cluny y, por otro, por el incremento de las rutas de peregrinaje,
principalmente las de la Catedral de Santiago de Compostela o la abadía de
Santa Fe de Concas.
La escultura gótica se conformó de cuatro períodos; el primero, el
gótico primitivo se mantuvo esencialmente como un fenómeno francés, concentrado
en la región de París, y el primer edificio importante que incorporó esculturas
fue la Basílica de Saint-Denis. Entre 1137 y 1144, Suger, su abad, impulsó la
reforma de un edificio románico existente y lo decoró con una gran riqueza.
Saint-Denis es especialmente importante porque es la necrópolis de los reyes de
Francia, es un monumento de la dinastía carolingia y, al mismo tiempo, se
convirtió en el símbolo de la consolidación de la monarquía francesa, un
proceso en el que Surge un destacado papel en su calidad de consejero del rey y
regente de Francia durante la Segunda Cruzada.
Hay disparidad de
criterios para fijar el inicio de la Edad
Moderna, algunos autores la relacionan con la caída de Constantinopla
(1453), y otros la sitúan en el año del descubrimiento de América (1492). Hay
más consenso con la fecha de finalización, la que vendría dada por el estallido
de la Revolución Francesa (1789), los historiadores de arte consideran que la
escultura renacentista se inició con el concurso convocado el año 1401 para
realizar las puertas del Baptisterio de San Juan de la ciudad de Florencia, una
prueba en la que se presentaron los escultores Filippo Brunelleschi y Lorenzo Ghibert.
La nueva forma
artística del Renacimiento plantaba
raíces en la escultura de la antigüedad clásica, buscando una total exaltación
de la belleza, la matemática se convirtió en su principal ayuda, aplicando a
todas las artes determinados principios y leyes como, por ejemplo, la perspectiva,
surgieron grandes mecenas como los
Médicis de Florencia y los papas de Roma, así como varios cardenales,
príncipes y también gremios, en esta época la escultura que se produjo
prácticamente quedó liberada del marco arquitectónico, y los personajes
mostraban expresiones llenas de dramatismo: transmitían, a pesar de los avances
de los maestres del Trecento, su trabajo aún seguía reflejando la fricción
entre las tendencias antiguas y modernas, así como la clara influencia de los
elementos góticos, para finales del Trecento, surgió en Florencia la figura de Lorenzo Ghiberti, autor de relevos en
el Baptisterio de San Juan, donde los modelos clásicos fueron recuperados por
completo.
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| La escultura de la Fuente de los Cuatro Ríos se encuentra en la Piazza Navona de Roma y fue ideada y cincelada por el escultor, arquitecto y pintor Gian Lorenzo Bernini en 1651 |
Posteriormente Donatello comenzó los avances en varios
frentes, en la generación siguiente, Verrocchio
se destaca por la teatralidad y el dinamismo de sus composiciones, su Cristo y Santo Tomás contienen gran
realismo y poesía, creó Un joven con un
delfín para la fuente de Neptuno en Florencia, que es el prototipo de la
figura serpentinata, que sería el modelo formal más prestigioso para el
Manierismo y el Barroco el manierismo tuvo sus precursores en Michelangelo, Jacopo Sansovino y Benvenuto Cellini.
El estilo es tipificado por un modelo formal predominante, La idea no era
nueva, puesto que se remonta a los antiguos griegos, considerando una línea
devanada como el mejor vínculo para la expresión del movimiento, inspirando en
la forma en que el fuego crepita y mantiene su versatilidad.
En el Alto Renacimiento, este concepto fue retomado
por Leonardo da Vinci y Michelangelo, que lo transferirían hacia la figura
humana, considerando que en torsión esta poseía más gracia y belleza. El
término fue usado por primera vez por Lomazzo al analizar la producción de
Michelangelo en el terreno escultórico.
La escultura africana ha sido esencialmente de carácter religioso, del
tipo animismo y por tanto su veneración ha sido la creencia en espíritus de la
naturaleza y veneración a sus muertos, la muerte no supone su fin sino que vive
en el reino de los espíritus, esta creencia en la presencia de los espíritus
hace que se realicen rituales, donde las obras de arte hacen de médium. Estas
obras en general son máscaras, esculturas exentas antropomórficas u otros
objetos de culto. Los objetos de madera
se realizaban a partir de un tronco o rama de árbol con la técnica de la talla
directa, es decir, de una pieza cilíndrica que con herramientas primitivas iban
rebajando y cortante. También han utilizado la arcilla en Nigeria la cultura
nok, cerca de 500 a. C., la piedra o el marfil.
La historia de la escultura india se inició hacia el 2500
a. C. en una zona a lo largo de 1500 kilómetros sobre las cuencas de los ríos
Ravi y Sutlej, donde estaba establecida la cultura del valle del Indo. Sus
principales poblaciones fueron Harappa y Mohenjo-Daro, donde en excavaciones
arqueológicas del siglo XIX, se encontraron gran variedad de esculturas en
terracota representando figuras humanas con símbolos relacionados con la
fertilidad, así como una pequeña bailarina en bronce.
En la escultura del siglo XX coexistieron una corriente conservadora y
una tendencia innovadora. Dentro de esta última pueden reconocerse dos
direcciones: la del expresionismo y la del abstraccionismo, que a su vez se
expresó en formas geométricas puras (que también se utilizaban por la escultura
figurativa del cubismo) o en las más fluidas de la escultura orgánica.
La
Piedad de Miguel Ángel
El material utilizado
es mármol de Carrara trabajado a
través de la talla y un posterior pulimentado de ciertas zonas que deja
resbalar la luz, Se trata de un conjunto escultórico pensado para su
contemplación frontal, pues se iba a destinar a una capilla del Vaticano (tal y
como se encuentra en la actualidad).
Su composición es claramente clásica, inscrita en un triángulo
equilátero que le da estabilidad, con suaves movimientos (paños, cuerpo o mano
de Cristo) hacia la derecha que es contrapesado por el suave contraposto de la
cabeza de la Virgen y un gran paño que cierra la escultura por la izquierda.
Todo ello permite un equilibrio y tranquilidad.
El modelado del material difiere según sus zonas, dando un mayor
volumen a los paños bajos (para dar así una mayor estabilidad visual) y siendo
mucho más suave en los cuerpos y paños superiores, que han sido muy pulidos
para hacer resbalar la luz por la superficie y suavizar las formas. Las figuras
responden a un canon clásico, de
posiciones estáticas y muy controlada expresividad. Destaca especialmente dos
rasgos.
Por una parte el
perfecto conocimiento de la anatomía de la que hace gala en el cuerpo de
Cristo, fruto de numerosos estudios
anatómicos, algunos incluso prohibidos (como las autopsias realizadas de
forma clandestina en el Hospital de los Inocentes de Florencia).
Por otro lado, la figura de la Virgen (si la
pusiéramos en pie) resultaría de un tamaño enorme. La razón de esto no es otra
cosa que una pura corrección óptica que le permite al escultor dar un mayor
apoyo al Cristo (y así estabilidad y armonía) del que siempre se había carecido
en el gótico. En cuanto a los paños y
sus texturas ya se comentó algo de ellos en el modelado, pero es
interesante fijarse en su variedad, desde las más toscas telas inferiores a la
suavidad de la camisa, que nos revela un gran interés por las texturas.
Autora| Ingrid Medrano Cortés
Vía| Santillana
Imagen| QuHist, Los Viajeros
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